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GUSTAVO ACOSTA, ARQUEÓLOGO DE LA MEMORIA 

Written By Miguel Sirgado
January 11, 2024 at 3:48 PM

“Revelation at the Control Yard” es una de las obras expuestas en LnS Gallery del pintor cubano residente en Miami Gustavo Acosta. Fotografía: Rogelio López Marin ‘Gory’ (cortesía de LnS Gallery)

El diccionario de la Real Academia de Lengua Española define la palabra “polis” como un estado autónomo en la antigua Grecia, constituido por una ciudad y un pequeño territorio circundante. Algo en esa definición pareciera sugerirse en las obras expuestas en la galería LnS, del artista cubano Gustavo Acosta, que se titula “An Unexpected Collision”. 

Sus imágenes evocan una suerte de pequeños territorios, que contienen ángulos visuales de edificios velados y geografías imprecisas, que de alguna manera han estado presentes a lo largo de la carrera de este creador residente en Miami, unas veces más definidas y específicas, otras más evocadoras del imaginario colectivo cubano, tanto en la Isla como en el exilio.

Y es que para Acosta, el énfasis de su trabajo está en su manera particular de percibir la realidad —esa composición de hechos, sucesos, objetos, cambios, gestos o paisajes—, y en cómo digiere y sintetiza esa percepción con sus trazos. Luego le devuelve al espectador una especie de suprarrealidad para obligarlo a echar mano a sus sentidos y descubrir la carga de significado que el artista le ha entregado, y que sobrepasa la visión original.

Las “polis” de Gustavo no son parte de un imperio, sino pequeñas islas flotantes esparcidas en un universo imaginario que se parece a ese “otro lugar” que anhelamos, y que estamos convencidos de que, en su ubicuidad extrapolable, se convertirá en nuestra materialidad, en nuestra permanencia.

De sus influencias, Gustavo Acosta cita desde artistas como Giotto y Raphael hasta Chirico, Magritte, y Kiefer, sin olvidar el arte de los cómics, los videojuegos y algunas imágenes de los medios digitales.  En la foto, la pieza de 2023 del artista titulada “Adult ‘s Playground”. Fotografía: Rogelio López Marin ‘Gory’ (cortesía de LnS Gallery).

Los formatos en esta exposición lucen mucho más “experimentales” —y si es posible llamarlos así, arriesgados— aunque quede evidenciado que aquí el artista no se desprende totalmente del protagónico perfeccionismo técnico que ha sido uno de sus sellos distintivos en toda su carrera. Esta necesidad de “experimentación” fue algo que, según Acosta, le comenzó a seducir, casi por azar, hace alrededor de un año.

“En [el espacio de] LnS Gallery hay una obra extraordinaria de Frank Stella de formato irregular y desde que me enfrenté a ella [me] empezó el cosquilleo”, afirma. “Soy muy cauteloso con respecto a cambios de formatos, medios y materiales (como dijo alguna vez nuestro amigo Osvaldo Sánchez: “cuasireaccionario”), y sí, soy bastante radical respecto a los medios y formatos con los que trabajo, sin que eso quiera decir que no disfrute y aprecie lo que producen mis colegas con otros lenguajes y medios, o cualquier otra dirección que [a lo mejor] un día yo mismo decida tomar”.

Según afirma Acosta, la actual exposición la concibió en formatos derivados de esa  pieza de Stella, que además, le acercó a investigaciones de otros movimientos de la abstracción geométrica. “[Eso, sin renunciar al hecho de que] yo soy parte de esa otra dirección del arte que no se desprende de la representación o de la anécdota”.

En este show, el pintor apuesta a una nueva dirección en la que sus paisajes imaginados de siempre son ahora retazos desplegados en cajas de cartón deconstruidas. En la foto, la pieza titulada “Fake Fall”, de 2023. Fotografía: Rogelio López Marin ‘Gory’ (cortesía de LnS Gallery).

Muchos han reverenciado a Acosta por su extraordinario (y peculiar) manejo de la técnica a la hora de pintar y dibujar, y la impecable ejecución de sus obras, lo cual para muchos observadores pudiera leerse como una suerte de inercia. Sin embargo, en este show, el pintor apuesta a una nueva dirección en la que sus paisajes imaginados de siempre son ahora retazos desplegados en cajas de cartón deconstruidas, lo cual ofrece un matiz diferente a sus preocupaciones habituales, tanto visuales como temáticas.

“Los inicios de mi carrera estuvieron determinados por carencias que no voy a citar aquí pero que me obligaron a trabajar con materiales muy simples, (pero no elegí) ramas o sogas, sino lápiz y papel”, dice.

Gustavo asegura que tenía sus “resabios” respecto al dibujo que se hacía en Cuba en aquel tiempo y que esto lo llevó a buscar resultados positivos derivados de la imperfección.

“De ahí mi interés por los croquis arquitectónicos, las viejas imágenes gráficas y fotografías antiguas. Fue esa búsqueda de resultados desde la imagen dañada o incompleta la que armó el concepto y dirección principal que tomaría mi trabajo. Con el tiempo, creo que la técnica se fue sofisticando, ajustando, y eventualmente regresó la pintura con nuevas exigencias. Quiero ser honesto: la tentación de acercarme a otros medios siempre ha estado presente (y existen algunos pequeños intentos y resultados pero me distraen demasiado). Las cosas que no puedo conseguir por mí mismo, o con un par de amigos que me aconsejen y eventualmente me den una mano, me dan una pereza horrible”.

Gustavo Acosta en su estudio de Miami, en 2023. Fotografía: Eliécer Jiménez Almeida (cortesía de LnS Gallery).

Dicho lo anterior, el artista subraya que su relación con la pintura y el dibujo no es para nada estática y mucho menos sin conflicto. “Habitualmente voy de una a otra por etapas. Es muy difícil que haga las dos cosas a la vez y esto me ayuda a vencer ‘trabazones’ que eventualmente pasan o están por pasar”.

Gustavo afirma que el proyecto de esta exposición originalmente estaba integrado por pinturas insertadas en formatos geométricos irregulares, pero el encargo de un pequeño mural exterior de parte de un cliente privado le cambió las coordenadas.

“Yo no quería un formato regular, rectangular o cuadrado, pero el cliente no estaba feliz con la opción geométrica. Y en el proceso de exprimirme la cabeza, desarmé una caja para reciclar y fue así que ví el mural y la génesis de la exposición”.

Sobre la coherencia de sus leitmotifs temáticos, el artista dice que sus orígenes y su desarrollo en Cuba lo explican todo con mucha claridad.

“Yo soy ‘nativo’ del casco histórico de la Habana Vieja, viví el profundo deterioro de una de las zonas más vitales de la ciudad en un tiempo récord: de 1965 al 1970 el lugar se murió. Mi familia, como tantas otras, quería irse de allí, pero era muy caro y difícil”, explica. “Yo renegaba todo el tiempo de mi barrio hasta que un querido amigo, caminando por la calle Empedrado, me abrió los ojos sobre cuánto tenía que ver mi incipiente obra con aquellas paredes llenas de historia. No puedo decir que hago registros históricos, pero si testimoniales o documentales y estos intereses han viajado conmigo a los distintos sitios en que me ha tocado vivir. Estos intereses se van contaminando con nuevas realidades, mis circunstancias cambian y el arte muta constantemente, en cincuenta años nuestro mundo no ha parado de dar volteretas y aunque por mi carácter le baje el volumen, por ahí está el universo de motivaciones que me mantiene trabajando”.

El artista asegura que en su trabajo la memoria funciona de manera multidireccional por lo que no es usada exclusivamente en el tiempo pasado. En la foto, la obra “Fixed Game”, de 2023. Fotografía: Rogelio López Marin ‘Gory’ (cortesía de LnS Gallery).

De ahí que la memoria (o la documentación de la misma) sea fundamental en su proceso creativo.

“Pretendo que la memoria funcione de forma multidireccional y no utilizarla exclusivamente en tiempo pasado. Pretendo manejar un discurso casi cinematográfico donde tiempos o espacios distintos se superponen e interactúan, citando la experiencia pero a la vez especulando en [tiempo] presente o futuro. Me interesan los procesos colectivos o personales, en los que la memoria magnífica, adúltera, distorsiona y edita cualquier experiencia o intención narrativa”.

Para el pintor cubano lo interesante son los procesos colectivos o personales, en los que la memoria magnífica, adúltera, distorsiona y edita cualquier experiencia o intención narrativa. En la foto, la pieza titulada “Malevich in Mind”, 2023. Fotografía: Rogelio López Marin ‘Gory’ (cortesía de LnS Gallery).

Sobre los artistas que le han inspirado en su carrera y los que considera que influencian directamente su trabajo, Acosta dice: “La historia del arte inspira toda, desde los bisontes de Lascaux, que me estrujan el corazón. Pero el espectro va moviéndose: sigo a mis colegas cercanos, con los que me eduqué y con quienes a pesar de las diferencias reconozco muchas intenciones paralelas. Junto a ellos, el arte que explora la visualidad física urbana, desde Giotto, Raphael Sanzio a Chirico, Magritte, Hopper, Kiefer. Pero no puedo dejar fuera a Van Gogh, Mondrian y a fabulosos cómics, videojuegos, imágenes de Google y cuanta foto interesante salta desde los medios digitales.  Artistas simbolistas, expresionistas, manifestaciones del Pop Art, acercamiento a prácticas del arte conceptual que paradójicamente me permiten seguir haciendo arte desde la ortodoxia de la pintura y el dibujo tradicional”, concluye.

QUÉ: GUSTAVO ACOSTA: An Unexpected Collision.

DÓNDE:  LnS Gallery (2610 SW 28th Ln, Miami).

CUÁNDO: Abierta hasta el sábado 27 de enero.

ENTRADA LIBRE

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