Dance NOW! Miami repone ‘Puentes NO Muros’ en el Aventura Arts & Cultural Center

Dance NOW! Miami presentará “Puentes NO Muros” el domingo 15 de marzo en el Aventura Arts & Cultural Center. Fotografía: Simon Soong (cortesía).

Dance NOW! Miami, la compañía de danza contemporánea que dirigen Hannah Baumgarten y Diego Salterini, presentará su segundo programa de la temporada 2025-2026 el domingo 15 de marzo en el Aventura Arts & Cultural Center.

La reposición del ballet en un acto “Puentes No Muros”, una  obra grupal con coreografía de Baumgarten y Salterini  reconocida internacionalmente, es el plato fuerte del programa.

“Cuando comenzamos a concebir ‘Puentes NO Muros’ en 2015″, relata Salterini, “estábamos respondiendo al cambiante clima social que sentíamos a nuestro alrededor, donde las conversaciones sobre el racismo, la inmigración, los derechos LGBTQ+ y los derechos de las mujeres se estaban intensificando, y el discurso público estaba cada vez más definido por la división: la metáfora inminente y el ‘muro’ como una realidad del debate político”.

“Para cuando la obra se estrenó en la temporada 2016/17”, agrega, “esas divisiones se habían consolidado de maneras que difícilmente podríamos haber imaginado y ‘Puentes NO Muros’ surge como un reflejo de ese momento y como un llamado a la empatía, el diálogo y la conexión”.

“A medida que ‘Puentes NO Muros’ cobró impulso”, explica Baumgarten, “establecimos  una colaboración con el Ballet de la Ciudad de México y el Ballet Clásico de Quintana Roo, compartiendo el escenario, añadiendo secciones y actuando con ambas compañías tanto en México como en Estados Unidos”.

Unos años más tarde, la pieza resurgió cuando la crisis migratoria alcanzó su punto álgido en Italia. “En ese momento estábamos colaborando con Opus Ballet y nos dimos cuenta de que la obra tenía un significado para ese momento”, rememora la codirectora artística de DNM. “La presentamos en Florencia ante una sala llena, con el público de pie, y nuevamente en Roma en abril de 2019. La obra fue recibida con un sentido de urgencia y una esperanza de un futuro que pudiera ofrecer una mayor aceptación y misericordia a quienes lo necesitan”.

“Casi una década después, su mensaje se siente tan urgente como siempre—un recordatorio de que el arte puede y debe seguir siendo un puente cuando el mundo insiste en construir muros”, apunta Salterini.

Los que asistan a esta única función en el Aventura Arts & Cultural Center podrán disfrutar igualmente del estreno mundial de “1933”, de Baumgarten, sobre un grupo de artistas que se enfrentan al ascenso del régimen nazi-fascista. Según la coreógrafa, la obra comenzó como una pieza de danza animada y atlética, concebida para llenar un programa que les parecía un poco sombrío con algo de ligereza y alegría.

“Utilizando música balcánica muy divertida”, narra Baumgarten, “comencé a jugar en el estudio con los bailarines, pero la noticia de que algunos comediantes estaban siendo censurados o removidos de sus trabajos, me quitó toda la diversión porque una sociedad que silencia a los bufones está al borde de perder su libertad, y desde la época de los Reyes, los bufones estaban destinados a liberar la tensión política, pero también a alzar la voz, sin ser condenados… Y así se fue desplegando la historia de “1933”, una historia de artistas que deciden tomar la iniciativa y usar su arte para alzar la voz”.

Les preguntamos si la intención de este programa es promover, en específico, alguna causa política.

La respuesta de Salterini es contundente: “No es nuestra misión explícita promover una agenda política o social, pero como artistas—y simplemente como seres humanos que viven tiempos profundamente complejos—es imposible separar nuestras voces creativas del mundo que habitamos. Naturalmente, las realidades que nos rodean influyen en nuestro trabajo. Aun así, Hannah y yo nos esforzamos por crear danzas que vayan más allá de los titulares inmediatos, obras que puedan dialogar a través de generaciones y culturas mediante temas universales”.

“El arte, para nosotros”, asevera Baumgarten, “funciona como un espejo: refleja, cuestiona e invita a la conciencia y, en ese sentido, nuestro trabajo no es político, sino humano, porque su propósito es la conexión, la compasión y la comprensión—los valores atemporales que perduran más allá de la política de cualquier momento”.

Completan el programa, el dúo “Strings of Goodbye” (2009) concebido por Salterini y que Baumgarten define como “el viaje poderoso y poético de una pareja, lidiando con la dirección que tomará su relación”, y el solo, “OH!” (2003) de la propia Baumgarten, que explora “los momentos entrecortados de enamorarse, recordando ese primer beso que envía escalofríos por tu columna vertebral”, según su creadora.

Sin olvidar a “Forest Dreams”, de la destacada coreógrafa Tandy Beal, que Salterini describe como “una obra de danza moderna que crea un paisaje vívido, casi escultórico, en el escenario, donde los bailarines se mueven a través del espacio en carreras amplias y ‘planos’ cambiantes, evocando la sensación de atravesar un entorno forestal vivo y onírico”.

“Forest Dreams” es una oferta de la serie “Obra Maestra en Movimiento” de la compañía. “Estamos comprometidos”, declara Baumgarten, “a brindar al público de Florida oportunidades que de otro modo quizá nunca habrían tenido para presenciar obras maestras de la danza, creadas por coreógrafos vivos como Tandy Beal o por grandes maestros legendarios como Isadora Duncan, José Limón, Doris Humphrey y Gerald Arpino”.

Según Salterini, este programa ha sido concebido con el objetivo de que “las personas salgan del teatro no solo conmovidas por la danza, sino también más curiosas, reflexivas y abiertas al diálogo”.

Por su parte, Baumgarten puntualiza que aunque la propuesta de DNM tiene momentos quizá emocionalmente desafiantes para algunos, “prometemos que nuestro público saldrá del teatro animado, con el corazón lleno y colmado de optimismo para el futuro”.

QUÉ: Dance NOW! Miami presenta la reposición de “Puentes NO Muros” y otros trabajos.

CUÁNDO: domingo 15 de marzo a las 7:00 p.m.

DÓNDE: Aventura Arts & Cultural Center (3385 NE 188th Street, Aventura, FL)

COSTO: $25 a $50 por asiento reservado y $20 para estudiantes con identificación válida. Entradas anticipadas en www.dancenowmiami.org/events/bnw.

 PARA MÁS INFORMACIÓN: llame al  (305) 975-8489 o escriba a info@dancenowmiami.org

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A propósito del regreso de ‘Turandot’ con la Florida Grand Opera

La Florida Grand Opera presenta “Turandot” en el Arsht Center de Miami y en el Broward Center de Fort Lauderdale. Fotografía: escena del primer acto, cortesía de la Florida Grand Opera.

La notable soprano polaca Aleksandra Kurzak, celebrada como Liu, ahora se adentra en la escarcha de Turandot frente a su Calaf de la vida real, el divo Roberto Alagna, con la Florida Grand Opera.

Para una soprano cuya carrera se ha cimentado en la agilidad, el fraseo esmaltado y una musicalidad de línea belcantista, Turandot no es simplemente un cambio de repertorio: es un desplazamiento tectónico. La escritura pucciniana exige no solo volumen, sino masa sonora; no solo altura, sino proyección acerada sobre una orquesta en combustión permanente.

Kurzak, que ha sabido graduar su instrumento con inteligencia estratégica, enfrenta aquí la prueba de transformar el lirismo en autoridad sin sacrificar el esmalte; de convertir la pureza del centro en filo dramático; de hacer del hielo no una pared sino un prisma.

La presencia de Alagna añade una capa adicional de interés y de riesgo. Las parejas reales en el escenario operístico siempre han tentado a la alquimia: la química privada puede encender la escena o desestabilizarla.

Calaf no es un compañero complaciente; es un conquistador vocal que irrumpe tarde y reclama la noche con un aria que el público espera como si fuera un himno nacional. En ese contexto, Turandot debe imponerse no por mero caudal, sino por magnetismo. La verdadera batalla no es de volumen, sino de foco: quién concentra la energía del teatro cuando ambos cantan al límite de la resistencia.

Para la Florida Grand Opera, la apuesta también tiene un matiz simbólico. Presentar a una Turandot en evolución —no aún fosilizada en la categoría de “soprano dramática de acero”, sino en tránsito— devuelve al papel su dimensión de peligro. Turandot no debería sonar cómoda; debería sonar conquistada a pulso. Si Kurzak logra que la crueldad inicial respire, que el dúo final no sea mera capitulación sino una transformación audible, habrá hecho algo más que añadir un título pesado a su currículum: habrá negociado su propio tratado con la altura.

Y ahí reside el atractivo persistente del personaje. Cada nueva intérprete reabre el expediente: ¿es Turandot un muro o un espejo? ¿Un Everest o una ilusión óptica? Las respuestas cambian con cada voz. Lo único constante es la gravedad. Porque, como recordaba Brigit Nilsson con ironía de glaciar, conviene mantenerse cerca del suelo. Si la caída llega —y en este repertorio siempre acecha—, al menos será más breve. En la ópera, el riesgo es el precio de la soberanía.

En “Turandot”, Giacomo Puccini creó la tormenta de hielo más glamorosa del repertorio. El papel dura apenas veinte minutos; la preparación puede consumir una carrera. Turandot es menos un personaje que un riesgo profesional: el equivalente vocal del Everest, solo que los sherpas están fuera de escena y la avalancha llega en si mayor. Las sopranos afrontan la volatilidad como los gestores de fondos de cobertura: con terror, bravuconería y la firme convicción de que esta vez será distinto.

Puccini sitúa a su princesa entre las absolutistas de la ópera —prima de Abigaille, interlocutora espiritual de Brünnhilde y Elektra—, pero con un giro moderno: debe dominar una ópera que apenas habita. Cuando aparece a mitad del segundo acto, el coro y la orquesta ya han dado un golpe sonoro. Luego, el tenor emprende su vuelta olímpica aeróbica con “Nessun dorma” y clava su bandera en territorio ajeno mientras el público tararea. Tras semejante usurpación, ninguna déspota que se respete dormiría. Que nadie duerma, en efecto. La princesa debe recuperar la velada y recordar a todos de quiénes eran los enigmas.

Los biógrafos, siempre atentos al escándalo, han vinculado la crueldad de Turandot con el melodrama doméstico de Puccini. El compositor, que amasó fortunas ablandando sopranos bajo los nombres de Mimì, Suor Angelica, Manon y Butterfly, parece aquí coquetear con la revancha.

La inocente Liù sangra; el público llora; la princesa de hielo se queda con la corona y sin simpatía. Una inversión pulcra. Si la ópera es terapia, esta es la sesión en la que el terapeuta se declara enfermo.

Puccini murió en 1924, dejando la partitura inconclusa justo después del suicidio de Liù. En el estreno en el Teatro alla Scala, dirigido por Arturo Toscanini, la música se detuvo donde se había detenido la pluma. Dos divas se disputaron de inmediato el vacío: Rosa Raisa reclamó Milán; María Jeritza aseguró la Metropolitan Opera.

Puccini había confesado indiscretamente que “soñaba con Jeritza en ‘Turandot’”, un comentario ideal para mantener en plena forma las rivalidades entre las sopranos. El imperio se dividió. Prevaleció la diplomacia. No hicieron falta enigmas. Corría 1926. Hace cien años.

Los anales de quienes se dejaron tentar por la fama temprana a través de Turandot parecen un cuento de hadas con moraleja.

A los veintiséis años, María Callas se arrojó al papel veintitrés veces, instrumento volcánico enroscado como tigre de pasarela. Su reinado duró apenas una década; su mitología crece cada año. En su disco de arias de Puccini de 1954 evoca a la hija del legendario rey de Turán con asombrosa viveza, convocando ancestros desérticos y el relato persa fijado por Nizami Ganjavi  en “Las siete bellezas”.

La historia viajó de la tradición oral a los salones de François Pétis de la Croix, a la pluma de Friedrich Schiller, al teatro de Carlo Gozzi, a la ironía de Ferruccio Busoni e incluso al filo político de Bertolt Brecht, antes de encontrar a su cronista musical supremo en Lucca. La Turandot de Puccini — que la pronunciaba “Turando”, sin la “t” final, como recordaba con fiereza imperial Eva Turner— fue la que perduró.

Luego llegaron las valquirias. Y la suprema Brigit Nilsson instaló la calefacción central en el palacio de hielo. Desde fines de los años cincuenta, sus agudos caían como misiles teledirigidos. “Isolda me hizo famosa —decía—, pero Turandot me hizo rica.”  Junto al explosivo Franco Corelli soportó rumores de mordiscos escénicos y respondió con humor escandinavo: informó al Met que había contraído “rabia”. Hasta los glaciares, al parecer, pueden sonreír.

Como siempre, el público aguarda los tres enigmas. Pero el mayor enigma es por qué alguien se ofrece voluntario. Tal vez porque toda soprano, en algún momento, desea ser a la vez suplicante y soberana: implorar como Calaf y mandar como Turandot. El salto es vertiginoso, el aplauso embriagador, el riesgo considerable.

Nilsson, que sabía algo sobre sobrevivir en las alturas, ofrecía un consejo digno de montañeros y monarcas: mantenerse cerca del suelo. Así, al menos, la caída es más corta. En la ópera, la gravedad es la única fuerza más fiable que el ego.

QUÉ: “Turandot” de Giacomo Puccini, presentado por Florida Grand Opera

CUÁNDO: marzo 7 (sábado) a las 7:00 p.m.; marzo 10 (martes) a las 8 p.m.; marzo 8  (domingo) a las 3 p.m. (en Miami); y marzo 26 (jueves) y 28 (viernes) a las 7:30 p.m. (en Fort Lauderdale).

DÓNDE: Ziff Ballet Opera House del Adrienne Arsht Center (1300 Biscayne Boulevard, Miami, FL 33132) y en el Au Rene Theater del Broward Center for the Performing Arts  (201 Southwest 5^th Avenue, Fort Lauderdale, FL 33312).

PRECIO: $270 a $25, en  https://tickets.fgo.org/Tickets/EventDetails.aspx?id=2502

PARA MÁS INFORMACIÓN: visite https://fgo.org

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Casandra cumple diez años

La actriz Fanny Tachin en “Desnudos en el bosque” (Studio Macbeth), de El Ingenio Teatro, en versión de Raquel Carrió y Adyel Quintero, con dirección de Lillian Vega. Fotografía: Manuel Valladares (cortesía de El Ingenio Teatro).

Como cada mes de marzo, El Ingenio Teatro celebra su Festival Casandra, que esta vez llega a su décima edición. 

Del 14 al 22 de marzo, Sandrell Rivers Theater, Miami Hispanic Cultural Arts Center y Neme Gastro Bar acogerán un programa multicultural debido a la diversidad de países de origen de sus invitados, a las manifestaciones artísticas incluidas, a la variedad de formatos y al amplio segmento de público al que está dirigida su programación.

Teatro, música, artes plásticas, cine y literatura son las propuestas de esta nueva edición, que también rendirá homenaje a los 250 años de la independencia de los Estados Unidos. 

Entre las propuestas teatrales de las compañías de Estados Unidos se esperan las obras: “Desnudos en el bosque” (Studio Macbeth), de El Ingenio Teatro, bajo la dirección de Lily Vega; “En el país de la Cocina”, a cargo de Artefactus-Proyecto Cultural, escrita por Sergio Andricaín y Antonio O. Rodríguez, con puesta en escena de Eddy Díaz Souza; y “Quiéreme hasta la locura” de LatinUs Theater Company, con texto de Patricia Suárez y dirección de Mónica Torres. 

De Colombia llega el espectáculo “Tándem Beckett”, de la compañía Fantasmágora Teatro, de Diana Acosta y Nicolás Muñoz. Proveniente de Francia, se verá la pieza “Merteuil. 15 años después de Relaciones peligrosas”, de Marjorie Frantz. Por otra parte, la colaboración entre Estados Unidos y Canadá trae al escenario “Casting con Blanche DuBois”, texto de Royds Fuentes y montaje de Erom Jimmy.

La música atraviesa toda la cartelera de esta nueva edición con propuestas diversas y altamente atractivas. 

El Festival cierra su primera jornada, el 14 de marzo, en el Sandrell Rivers Theater con el concierto “Canciones inolvidables” de Sory Pérez, y culmina su edición el domingo 22 con la presentación de Kelvis Ochoa en Neme Gastro Bar a las 7:00 p.m. 

Sin embargo, cada día en el Sandrell Rivers Theater, el Festival invita a músicos de distintos formatos y repertorios, como dúos, bandas, pianistas, solistas y cantautores que recorren sonoridades desde el jazz hasta la música tradicional latinoamericana. La programación completa del segmento musical del Festival está disponible en el sitio oficial de la edición actual. 

El Festival Casandra también ha apostado por ser una plataforma multicultural e interdisciplinar y, por esa razón, además del teatro y la música, incluye en su cartelera artística las artes plásticas, la literatura y el cine. 

Durante la apertura oficial del Festival, a las 7:00 p.m. del viernes 14, en el Sandrell Rivers Theater tendrá lugar la develación de los carteles de esta edición. Ambos, firmados por el diseñador gráfico y artista Armando Tejuca, rinden tributo al 250.º aniversario de la Independencia de los Estados Unidos y a los diez años del Festival Casandra. Ese mismo día, el escritor y editor Baltasar Santiago Martín presentará un nuevo número de la revista Caritate dedicado a la décima edición del Festival. 

Se añade al segmento de las artes visuales una muestra fotográfica, una exposición de arte figurativo y el homenaje al pintor Orlando Naranjo el jueves 19 a las 7:00 p.m. Asimismo, el viernes 20 el cine llega a la cartelera de Casandra gracias a la proyección del filme francés “La ceiba”, de Luna Vega, entre otras propuestas cinematográficas.

Un segmento que el Festival siempre ha considerado relevante es el dedicado a la pedagogía y a la teoría escénica. En esta ocasión, del 15 al 20 se celebrará en Sandrell Rivers una serie de intervenciones alrededor del pensamiento y la práctica artística. 

Una muestra de este segmento es la conferencia el domingo 15 de la prestigiosa académica Dra. Esther María Hernández quien ofrecerá a las 4:00 p.m. la conferencia “Pedagogía Intercultural en el Teatro Contemporáneo de Estados Unidos”, así como el panel “Hacia una voz única: Teatro y literatura en la Independencia de las Américas” el jueves 19 a las 7:30 p.m.,  que aborda uno de los temas a los que rinde homenaje esta edición. 

Durante esos cinco días tendrán lugar charlas, presentaciones y discusiones en torno a la producción artística, cuyos detalles están disponibles en la página oficial del Festival y se recomiendan encarecidamente. Como figura homenajeada, en esta oportunidad, el sábado 21 de marzo, a las 7:00 p.m., el Festival reconocerá el trabajo relevante de Marisol Correa, considerada una de las productoras latinas más influyentes de Miami. 

La familia y el público infantil han formado parte de la comunidad de espectadores que el Festival Casandra ha construido desde su primera edición. 

Para ese segmento de la población, se ha diseñado una programación especial el domingo 22 en Miami Hispanic Cultural Arts Center que incluye el lanzamiento de libros, presentaciones teatrales, actuación del coro y de los niños que integran el proyecto de Educación Artística del Centro Mater, una de las instituciones con las cuales El Ingenio Teatro ha colaborado desde hace casi una década. 

En declaraciones exclusivas para Artburst, la actriz, dramaturga y directora Lillian Vega, al frente del Festival y de El Ingenio Teatro, resalta que uno de los mayores impactos del Festival ha sido “la capacidad de unir generaciones, culturas y comunidades diversas a través del arte”. 

Cuando visualiza el futuro, Vega asegura que el Festival “reafirma su compromiso de seguir promoviendo la equidad, la inclusión y la innovación en las artes escénicas”. 

Un aspecto medular del desarrollo del Festival ha sido el de los afectos y las alianzas, así como las redes de colaboración entre colegas, espectadores y artistas de diferentes disciplinas. Este es un Festival soñado con y para la comunidad, que destaca el liderazgo de la mujer en la creación artística y que, declara Vega, sigue anhelando el teatro como una “tierra segura para quienes creemos en la belleza, en el bien y en el poder transformador del arte”. 

QUÉ: Décima Edición del Festival Internacional de Teatro Casandra, por El Ingenio Teatro.

CUÁNDO: del sábado 14 al domingo 22 de marzo.

DÓNDE: Sandrell Rivers Theater (6130 NW Seventh Ave., Miami, FL 33127), Miami Hispanic Cultural Arts Center (111 SW 5^th Ave. #201, Miami, FL 33130), y Neme Gastro Bar (1252 SW 22^nd St, Miami, FL 33145).

BOLETOS: visite https://ftfshows.thundertix.com/ Compra de tickets para los eventos del domingo 22 de marzo: (796) 247-8385 y  786-714-7234 

PARA MÁS INFORMACIÓN: visite https://elingenioteatro.com/festival-2026/ o llame al  (786) 714-7234

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Ángeles Toledano visita Miami para presentar ‘Sangre Sucia’ en el Miami Beach Bandshell

Ángeles Toledano, aquí en la apertura de la SUMA FLAMENCA 2025, en los Teatros del Canal (Madrid), se presentará en el Miami Beach Bandshell este 5 de marzo.  Fotografía: Marina Rodríguez (cortesía de la artista/FUNDarte).

Ángeles Toledano (España, 1995), considerada una de las intérpretes más prometedoras del cante flamenco contemporáneo —nominada a los premios Latin Grammy 2025 por “Sangre Sucia”, su primer álbum—  se presentará en el Miami Beach Bandshell el jueves 5 de marzo, en un concierto programado por The Rhythm Foundation, FUNDarte y Live Arts Miami.

Sobre esta presentación imperdible para los amantes del flamenco, conversamos con ella por WhatsApp. Generalmente narramos lo ocurrido en las entrevistas para sintetizarlas, pero en este caso no resistimos la tentación de recurrir al formato de preguntas y respuestas para optimizar la experiencia del lector interesado en saber más.  Ángeles Toledano tiene mucho que compartir.

¿Quién es Ángeles Toledano? 

Ángeles Toledano es una niña que nació en Jaén, en la Comunidad Autónoma de Andalucía, y es cantaora flamenca porque me he dedicado a esto desde muy pequeña. Casi profesionalmente desde los 10 años, pero empecé a cantar a los 6 o 7 y, por primera vez, me subí a un escenario a los 8. O sea, toda la vida.

¿Qué caracteriza tu manera de cantar? 

Bueno, al venir de un género tan de raíz como el flamenco, mi manera de cantar refleja la identidad del pueblo andaluz. Cantaora es una palabra súper andaluza. La palabra en sí es flamenca.

Yo creo que algo que nos diferencia es la música, que es mucho más clásica, con muchísimos años de historia, que profundiza en ti muchos siglos de cante, de toque, de baile y de toda la rítmica. Y, por supuesto, también está el quejío, con esa voz quebrada que no está permitida en ningún género…  ni en la ópera ni en el pop, donde se busca una voz muy bonita, muy perfecta.

En el cante flamenco nos permitimos profundizar con una voz rasgada, sin miedo a que el sentimiento esté por encima de la perfección vocal o de la perfección de lo que se esté contando, sino que va según lo sientes. La expresión va por encima y creo que eso también nos caracteriza y es lo que la gente puede sentir, entienda el género o no lo entienda, porque es pura expresión.  Y también es pura expresión corporal. Puede ser una sentencia o un coqueteo. O pueden ser muchos gestos, incluso exagerados.

¿Esta actuación en Miami forma parte de una gira norteamericana? 

Esta presentación en Miami no forma parte de una gira norteamericana, aunque después tendremos otro concierto dentro del Flamenco Festival en Nueva York. Son solo esos dos este año. Pero ojalá pronto pueda regresar y hacer muchos conciertos más por Estados Unidos.  Quizás con mi siguiente proyecto discográfico.

 Cuando lleguemos al Bandshell y empiece tu concierto, ¿qué vamos a ver? 

Lo que van a ver es “Sangre Sucia”, realmente. En un formato mucho más orgánico, porque a partir de marzo, cuando vayamos para allá, vamos a empezar con una tanda de conciertos de guitarra, aunque con alguna sorpresa. En esta ocasión, me acompañará el guitarrista Benito Bernal. Hemos trabajado juntos por muchos años y entendemos muy bien el concepto, ya que nos conocemos muy bien, con nuestros recovecos musicales.

¿Todas las canciones son tuyas?  

Hay una mezcla de letras y estilos populares del flamenco, con letras y música propias.

En las cantaoras que han pasado por Miami acompañando a un bailador, nos ha llamado la atención su uso de canciones populares. ¿Tienes una versión de alguna canción conocida en tu repertorio? 

En vivo, hacemos una canción un poco más pop: una versión que tengo de “Qué bonito aquella noche”, de Las Grecas, un grupo español que también tiene mucho que ver con el flamenco. La sacamos hace poco y la hacemos con toque, sin batería.

El título de tu álbum alude al origen “impuro” del flamenco, producto de una mezcla de culturas, y el nombre de un palo flamenco aparece junto al título de cada canción. ¿Qué palo es tu preferido? 

Pues voy cambiando, la verdad. Siempre me ha gustado mucho la seguiriya. Pero ahora, por ejemplo, cantar por soleares es una de mis debilidades. Y luego, obviamente, cantar por bulerías. Como que esos 3 son mis favoritos.

¿Hay algunos artistas, cantaoras o artistas de flamenco que han sido una influencia para ti?

Muchísimos.  Además, desde pequeña he estudiado mucho el clásico y ahí es donde encuentro esa fuente. Toda esa agua donde beber y aprender, siempre. A veces me creo que quizá pueda meterme en una burbuja muy personal, pero siempre tengo que volver a la fuente para inspirarme. Tengo muchísimas referencias, como La Niña de los Peines, Remedios Amaya, La Paquera de Jerez, La Marelu, El Popito… Obviamente, Camarón de la Isla y Enrique Morente.

También hay muchos cantaores y cantaoras con muy escaso registro porque son de una época en la que no se registraba todo.  Entonces, en los encuentros de peña flamenca te encuentras con gente que te dice: “Tengo una grabación de una cantaora que vivía en este pueblo y que no está catalogada en ningún sitio”. Y te dan esa grabación y ahí descubres una mina increíble de cante y cosas nuevas.  Porque el flamenco, como ha sido una música de tradición oral, siempre ha estado muy vivo y ha ido cambiando. De pueblo a pueblo ya era diferente. Y eso también es una riqueza que puede volverte loca por tanta información. Pero si la sabes ver con el ojo de la riqueza, es algo muy hermoso.

 

¿Cómo ves el panorama del cante flamenco hoy en día en España?

Pues creo que en estos momentos es muy potente porque hay mucha gente joven haciendo cosas maravillosas y, además, lo están haciendo con sabiduría y desde la raíz, sabiendo lo que hacen. Creo que hay una buena cantera ahora. Por ejemplo, pues está Yerai Cortés, que está pegando muy fuerte en todo el mundo y es un niño súper joven con la guitarra.  Me da mucha alegría con Yerai.  Además, después de Paco de Lucía, llevaba muchos, muchos años sin que saliera un guitarrista solista que empezara a recorrer el mundo.

Y luego, hay muchísimas cantaoras como, por ejemplo, Lela Soto, María Terremoto y Laura Marchal, que admiro muchísimo y que están sacando un trabajo muy interesante, muy bonito, digno de ser apreciado, de escucharlo con un buen vino y amigos, y de disfrutarlo tanto en concierto como en el disco. ¿Hay un buen momento para el cante flamenco ahora? Sí, lo creo.

¿Cuál ha sido tu mayor desafío como artista? 

Mi mayor desafío ha sido la sensación y la aceptación de que he tenido que perder otras muchas cosas al querer dedicarme al mundo de la música.  Pues no sé, yo estaba viajando y a lo mejor en mi familia han estado pasando cosas maravillosas o no tan maravillosas, pero en las que me habría gustado haberlos acompañado.

Por último, ¿qué expectativas tienes para esta presentación?

Quisiera conocer a los aficionados al flamenco en Miami y espero que sean muy abiertos, porque aquí, por ejemplo, en España o en Andalucía, te encuentras con un ambiente flamenco en el que hay gente muy, muy cerrada, quizá por el interés de mantener la pureza de las cosas. Espero que mi propuesta, fresca y joven, la reciban con cariño. Tengo muchísimas ganas de llegar a Miami.

QUÉ: Concierto de Ángeles Toledano y Benito Bernal, una presentación de The Rhythm Foundation, FUNDarte y Live Arts Miami.

CUÁNDO: 5 de marzo (jueves)

DÓNDE: Miami Beach Bandshell (7275 Collins Avenue, Miami Beach, FL 33141). Las puertas abren a las 7:00 p.m.; el show comienza a las 8 de la noche y concluye a las 10:00 p.m. El Bandshell es un lugar cubierto al aire libre donde todos los programas se realizan con lluvia o bajo el sol.

PRECIO: $26.43 entrada general sentados (todas las edades) y asientos accesibles (todas las edades); $5.00 para los residentes de Miami Beach; $224.65 Nivel Club hasta 6 entradas (todas las edades) y $20.00 Grupos entrada general sentados (todas las edades) en https://vor.us/b3990

PARA MÁS INFORMACIÓN: visite https://miamibeachbandshell.com

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Dos estrellas lideran dos grandes noches de música en el Arsht Center

El director canadiense Yannick Nézet-Séguin, al frente de la Philadelphia Orchestra, en el Knight Concert Hall del Arsht Center. Fotografía: Taylor Brown (cortesía del Arsht Center). 

Gracias a dos presencias estelares, dos conciertos en una sola semana dieron lustre al Arsht Center en los renglones del canto y del sinfónico.

Quienes insisten en que el recital vocal es una especie en vías de extinción deberían haber estado el domingo en el Knight Concert Hall, donde el lleno total para Juan Diego Flórez desmintió con hechos esa necrológica prematura, especialmente en una ciudad que supo acoger a grandes del canto y que hoy acusa ausencias inexcusables en ese terreno.

Los recitales del tenor peruano responden a un patrón probado. Una parte consagrada al bel canto —Bellini, Donizetti, Rossini— y a la ópera francesa; luego, a la zarzuela y a la canción en español. Finalmente, los bises, tan generosos como celebrados, que convierten la velada en una fiesta compartida. No hay improvisación en la arquitectura del programa, pero sí una inteligencia estratégica que sabe administrar climas, estilos y expectativas.

A los 53, Flórez celebra con gallardía las tres décadas desde su debut consagratorio en Pesaro, cuna de Rossini. Si la voz hoy tarda un poco más en entrar en calor, es comprensible; asombra la persistencia del brillo, el esmalte intacto y la capacidad de despachar los agudos que cimentaron su fama. Le suma algo menos frecuente que la mera técnica: inteligencia musical, gusto y estilo impecables. Flórez es, en el sentido más exigente del término, un estilista.

Lo acompañó el impecable Vincenzo Scalera, quien ofreció solos pianísticos de Bellini, Lecuona y Godard, aunque se echó de menos la intervención del tenor en las transcripciones de “Almen se non poss’io” y en la “Berceuse” de “Jocelyn”, páginas que pedían su voz.

El bloque inicial incluyó a Rossini con “Le sylvain”, de “Péchés de vieillesse”, y a Bellini con “La Ricordanza”, una evocación que anticipa la escena de locura de Elvira en “I Puritani”. La primera parte culminó con la escena de prisión de “Roberto Devereux”, plena de emoción, vertida con elegancia y sin un ápice de efectismo.

En la segunda parte, la zarzuela encontró en Flórez un defensor de clase. “Bella enamorada”, de “El último romántico”; “Suena, guitarríco mío”; y “Aquí está quien lo tiene”, de “La alegría del batallón”, reivindicando un género que necesita intérpretes de jerarquía para mostrar su estatura.

La ópera francesa tuvo al melancólico “Ah! tout est bien fini!… Ô Souverain, ô juge, ô père”, de “Le Cid” de Massenet —escrito para el heroico Jean de Reszke—, seguido de un “Salut! demeure chaste et pure” de “Faust” de Gounod de lirismo soberano y fraseo cuidado. La parte oficial cerró con un detallado y ardiente “Che gelida manina”, de “La Bohème” de Puccini: un Rodolfo creíble, ya más cercano al lirismo spinto que al puro tenor de gracia, señal de una evolución repertorial asumida con prudencia y sin sacrificar flexibilidad.

Y entonces llegó el festival de bises. El público espera agudos resplendentes, y ofreció “Pour mon âme”, de “La fille du régiment”, con sus nueve do naturales, sin la insolencia atlética de hace dos décadas, pero con seguridad y sin transposiciones complacientes. Luego, guitarra en mano, para la napolitana “I’ te vurria vasà”, y un popurrí en español que incluyó a su inolvidable compatriota Chabuca Granda —“La flor de la canela”, “Fina estampa”—, además de su infaltable “Cucurrucucú Paloma”, coronada por un agudo en voz de cabeza largamente sostenido. La celebración continuó con “Amapola”, “La donna è mobile” y “Nessun dorma” como broche de oro.

Flórez luce juvenil y en forma. La voz, acaso menos caudalosa que en su apogeo, jamás es forzada y conserva redondez y dulzura tímbrica. Encanto, carisma y sencillez le permiten conquistar al público hasta tenerlo en la palma de la mano. Artistas así no abundan; recitales como éste, tampoco.

Apenas días después se produjo el esperado —y demorado— debut miamense de uno de los consagrados directores jóvenes de hoy, el canadiense Yannick Nézet-Séguin, al frente de su orquesta, la legendaria Philadelphia Orchestra, que rige desde 2010, además de la Orchestre Métropolitain de Montréal y del Metropolitan Opera neoyorquino, del que es su director artístico desde 2018.

Fue una noche especial, una de las grandes tradiciones sinfónicas de Estados Unidos, dialogando con el público local, con una plenitud desconocida en comparación con las ilustrísimas visitas previas.

Nézet-Séguin, posee carisma, gestualidad elocuente y comunicación inmediata. Mas que un director parece un cómplice de sus músicos, sin batuta ni partitura, semeja un energizante entrenador deportivo. Esa complicidad fue palpable tanto con la orquesta como en una lectura viva, respirada, de las Sinfonías n.º 3 y n.º 4 de Brahms.

El canadiense preserva el mítico “sonido Filadelfia”, forjado por Leopold Stokowski y Eugene Ormandy, con cuerdas densas y aterciopeladas, maderas cálidas y metales fulgurantes, que lo traduce en un abrazo sonoro envolvente que da como resultado un Brahms de líneas amplias y aliento generoso.

Nézet-Séguin ha dicho que Brahms es su compositor favorito, y esa afinidad se percibió en la libertad y la urgencia de su enfoque. Cada sinfonía fue el equivalente a un viaje emocional e inevitablemente evolucionó y dio como consecuencia la otra, ofreciendo una panorámica digna de destacar.

Sorprendió su tratamiento de la Tercera y, al ejecutarla en un solo movimiento, reveló un arco narrativo fascinante.  Pareció conjurar la imagen del caminante romántico contemplando un torrente caudaloso —¿el Rin?, ¿el Elba? — en un paisaje digno de Caspar D. Friedrich. Más íntima que heroica, fluyó con naturalidad pastoral, evitó toda afectación sentimental, sosteniendo un pulso sereno y contenido hasta el final, en una severidad coral de gran efecto.

Esa impulsividad controlada regresó en la Cuarta, esta vez con una pausa mínima entre el Andante moderato y el Allegro giocoso, como si se trataran de dos bloques de una misma escultura. Hubo nostalgia e intimidad, surgidas de una espontaneidad sólo aparente y de un cuidadoso trabajo desde un enfoque casi camarístico. Un Brahms noble, poderoso y vital, encaminado hacia su destino inexorable, con una orquesta tan monolítica como impresionante.

Un amigo solía decir —en el siglo XX, casi la prehistoria—: “Tan perfecto que cerré los ojos y era como un disco”. Su definición, cómica e infalible, volvió a mi memoria esta noche, cuando la Philadelphia Orchestra sonó “como un disco”. O aún mejor.

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El Flamenco Festival Miami trae de regreso a Sara Baras con “Vuela”, su homenaje a Paco de Lucía

“Vuela”, del Ballet Flamenco Sara Baras, llega al Flamenco Festival Miami en el Adrienne Arsht Center con dos presentaciones, el sábado 28 de febrero y el domingo primero de marzo. Fotografía:  Sofia Wittert (cortesía del Adrienne Arsht Center).

La prima bailaora assoluta Sara Baras es tan indomable en el escenario como una fuerza de la naturaleza. Con un ritmo en sus pies tan implacable como una tormenta de verano sobre un techo metálico, brazos capaces de sostener el cielo y un rostro que irradia calidez como la luz del sol de su Cádiz natal, es fácil entender por qué ha sido una de las favoritas del público del Flamenco Festival Miami desde sus inicios.

La primera actuación de su compañía aquí fue en 2005, el año inaugural del festival, antes de que el evento se trasladara del Teatro Jackie Gleason (hoy Fillmore Miami Beach) al recién construido Adrienne Arsht Center.

En su cuarta visita con el Flamenco Festival Miami, el sábado 28 de febrero y el domingo 1 de marzo, la compañía de Sara Baras interpreta “Vuela”, una obra de concierto que rinde homenaje a Paco de Lucía, un titán de la guitarra cuyo fallecimiento prematuro en 2014 conmocionó al mundo del flamenco.

El guitarrista Paco Fonta, pilar de la escena flamenca de Miami, rememora cómo de Lucía “nos marcó a todos”, no solo con su manera de tocar y su increíble destreza técnica, sino también con la música que creó. “Era prácticamente un dios”, afirma.

Baras considera a Paco de Lucía uno de sus grandes maestros y manifiesta que “Vuela” es su forma de agradecerle.

“Tuve la suerte de estar cerca del maestro y de contar con sus consejos y su cariño toda la vida”, cuenta Baras.  Él fue quien le dijo: “Nunca olvides de dónde vienes. Por supuesto, debes viajar, vivir, compartir y aprender de todas las culturas, pero sin olvidar quién eres”.

Si Paco de Lucía abrió el flamenco al mundo, Sara Baras abrió el mundo al flamenco. El primero, con su adopción de influencias del jazz, del latín y del rock, y la incorporación de instrumentos como el cajón peruano, el saxofón y el bajo eléctrico en su formación, que le insufló un nuevo impulso al flamenco tradicional y atrajo a millones de jóvenes oyentes. Baras, con más de un cuarto de siglo y cinco continentes de giras a sus espaldas, al establecerse a sí misma como una de las embajadoras internacionales más destacadas del arte flamenco.

Desde el estreno de “Vuela” en 2024, Baras ha llenado teatros en ciudades como Londres, París y Hong Kong y tendrá su cuarta temporada en Madrid esta primavera.

“Vuela” es una obra en cuatro actos —“Tierra”, “Mar”, “Muerte” y “Volar”— con quince números de danza y música que, según Baras, exploran elementos como la tierra y el mar para crear una obra que, en su opinión, es más una experiencia que un espectáculo.

En “Tierra”, los bastones de madera golpean el suelo, mientras que “Mar” habla de “la inmensidad del mar y del agua”. Después, “Muerte” expresa la capacidad de aceptar que nuestros seres queridos nos dejan, no solo con la tristeza de perderlos, sino también con la gratitud de haberlos tenido con nosotros.

Al final, señala la bailaora, los intérpretes permiten que esas emociones “vuelen a través de la danza”, primero hacia el público y luego de vuelta a los intérpretes en el escenario, en ese círculo de profunda energía que solo las presentaciones en vivo pueden crear.

La compañía de Sara Baras está compuesta por ella, seis bailarines y seis músicos, incluido el guitarrista y director musical Keke Baldomero, quien se encargó de componer y arreglar la música de esta ambiciosa producción.

Baldomero, quien tocó durante muchos años con el cantaor José Mercé, se unió a la compañía Baras en 2012. Desde entonces, ha escrito numerosas obras completas para ellos, desde “La Pepa” de 2012 hasta “Alma”, el momento culminante del festival Arsht de 2023. Aun así, la idea de componer una pieza de casi dos horas en homenaje al dios de la guitarra flamenca debió resultar abrumadora. Baldomero decidió combinar grabaciones de Paco de Lucía con sus propias composiciones, que incorporan motivos que juegan con los ritmos y las melodías del maestro.

Miguel Marín, fundador y director del Festival Internacional de Flamenco, comenta que “una de las cosas más bonitas del espectáculo es que cada artista tiene su momento”. El público, agrega, “disfruta de estos momentos sublimes de guitarra, cante, baile y percusión”.

De hecho, si bien un concierto de Sara Baras siempre es un festín visual, resulta tan gratificante simplemente escucharlo como verlo. Aunque sería casi imposible cerrar los ojos durante uno de los solos de Baras, si lo hicieras, podrías apreciar mejor su virtuosismo como percusionista. Esta es quizás una de las cualidades que la hacen entrañable para guitarristas como de Lucía. Para ellos, Baras es una colega que además es bailaora. Y como su mentor guitarrista, Baras nunca se contiene.

“Cuando actúa”, dice Marín, “se entrega por completo, y no es solo ella. Es todo su grupo el que tiene que entregarse como ella”.

Los artistas del cante que acompañan a Baras en esta ocasión son May Fernández y Matías López “El Mati”.

Fernández, al igual que Baras, es originaria de Cádiz. Su potente voz posee la autenticidad rica y audaz de alguien que creció en el barrio de Santa María, históricamente un hervidero de tradición flamenca y descaro del sur de España. “El Mati” aborda las letras con una tierna sensibilidad. Su voz posee una deliciosa dulzura, salpicada de momentos de cruda intensidad emocional.

“El espectáculo”, dice Marín, “tiene el elemento adicional de la energía colectiva. Ves a Sara y ves cómo lo da todo y, como cantante, tú también te sientes inspirado. Hay que darlo todo; es algo que se alimenta solo”.

Marín señala igualmente que de Lucía tenía una dedicación inquebrantable al flamenco que Baras comparte.  Además de “una humildad que los hace aún más grandes”, concluye.

“Quiero conectar con todo el mundo”, proclama Baras. “No quiero bailar solo para mí. El flamenco no entiende de pasaportes ni de idiomas. No tiene ninguno de esos límites. Va directo al corazón”.

QUÉ: Festival de Flamenco de Miami con “Vuela”, del Ballet Flamenco Sara Baras

CUÁNDO: 28 de febrero (sábado), a las 7:30 p.m., y el primero de marzo (domingo), a las 3 de la tarde.

La programación del Flamenco Festival Miami da inicio el miércoles 25 de febrero a las 7:30 p.m. con una presentación del grupo Son Gitano, en la Thomson Plaza for the Arts del Arsht Center.

DÓNDE: Knight Center Hall, Centro Adrienne Arsht para las Artes Escénicas (1300 Biscayne Blvd., Miami)

COSTO: $35.10 – $204.75 (incluye cargos) para Sara Baras. $30.00 para Son Gitano.

PARA MÁS INFORMACIÓN: llame al (305) 949-6722 o visite arshtcenter.org

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El hábitat perceptivo de la pintora Karen Rifas en LnS Gallery

La exposición “paper. color. lines” de Karen Rifas en LnS Gallery está abierta al público desde el pasado 6 de febrero. Fotografía: D. Matos (cortesía).

Karen Rifas (Chicago, 1942) ha sido una de las pintoras más activas y creativas de la comunidad artística de Miami en las últimas cuatro décadas. La exposición titulada “paper. color. lines” (“papel. color. líneas”, en español), desde el 6 de febrero en LnS Gallery, es una cuidada muestra que abarca su obra desde 2016 hasta 2025.

Con un B.F.A.(1985) y un M.F.A. (1987) en Bellas Artes, ambos obtenidos en la Universidad de Miami, comienza por esos años a realizar sus primeras exposiciones individuales, donde ya emergen los caracteres abstractos geométricos que, a lo largo de su ya dilatada trayectoria, van construyendo la poética de su lenguaje.

En este recorrido acumula innumerables exhibiciones en importantes galerías, museos y centros de arte contemporáneo. Es probablemente no solo la artista residente en Miami más premiada, sino también la más ampliamente representada en las grandes colecciones de instituciones públicas y privadas de la ciudad.

En “paper. color. lines” se presenta una selección de trabajos en técnica de acrílico sobre papel que sintetiza muy bien las preocupaciones poéticas y discursivas que han marcado la trayectoria artística de Karen Rifas.

La poética abstracta geométrica de Rifa alcanza un clímax importante en las obras de 2016, como las pinturas “0346” y “0291B”, donde, como se ha señalado, el lenguaje abstracto geométrico no funciona como estilo, sino como acercamiento perceptivo.

Este enfoque implica desarrollar las perspectivas constructivas del color y también las dimensiones espaciotemporales en la dirección: ¿cómo se desestabiliza el espacio frente  al ojo, frente a la mirada?

Aquí los colores son planos y saturados, pero en los recortados de los planos todavía hay ciertas irregularidades en las líneas que los definen, e incluso en la saturación de los colores. Por lo tanto,  si bien es cierto que los planos se observan estables, del mismo modo también lo es que a veces parecen parpadear ante la vista, a través de una especie de vibración cromática que se esparce sobre las superficies de las obras.

Si a ellos sumamos una concepción del espacio como algo tensado, susceptible de ser medido y recorrido, pero, a la vez, atravesado por tensiones entre planos, cortes y diagonales, estaremos frente a una poética abstracta geométrica que pulsa la incertidumbre como fenómeno perceptivo de la realidad. De ahí que, a veces, el espectador perciba las obras como bidimensionales y otras como tridimensionales. Rifas juega con esa indistinción en gran parte de su trabajo.

En el orden discursivo, sería oportuno comentar que la artista ha expresado que su obra sirve como una ilusión para una era de desilusión, en la que ella encuentra refugio del ruido abrumador del mundo.

Es importante notar cómo la artista contrapone el mundo de la realidad, convulso, ansioso y desestructurado, frente a otro mundo creado por ella, precisamente mediante el color, la línea y las formas. Este es un mundo donde se imponen las estructuras, se buscan los equilibrios, se calculan las variables hasta llegar a la cadencia esencial de las formas que sostienen ese mundo (su)realista.

En este sentido, es notable cómo la visualidad, el ambiente que desprende obras de Rifas, como “3792” y “3793”, e incluso la “temperatura” de estas obras invitan a sensibilizar ante ciertas atmósferas del paisaje de Miami. Estas estructuras de colores en gamas de verde, azul y amarillo, que parecen flotar bajo una luz blanca saturada, invitan a pensar en cómo la geometría de Karen Rifas adopta una especie de lógica climática: el espacio no se fija, fluctúa.

Como en Miami, donde la luz y la humedad reescriben los volúmenes a cada momento —entre reflejos de lagos y canales, entre el verdor de la floresta  y el mar—, sus construcciones visuales existen como fenómenos. Aparecen, se densifican y se disuelven según el ángulo, la distancia y el tiempo de exposición. Esa experiencia “climática” sobre  habitar tiñe su abstracción con una sensibilidad barroca entendida no como ornamento, sino como percepción: pliegue, refracción, vibración, un teatro óptico que hace del volumen una hipótesis siempre provisional.

De ahí que la abstracción geométrica de Rifas sea una suerte de arquitectura en suspensión: construye mundos posibles con color y forma, pero los somete a una inestabilidad deliberada, como si el espacio estuviera siempre a punto de aparecer o disolverse.

Entre la ética manual del oficio y el legado de la geometría latinoamericana (pensemos en la obra, entre otros, de artistas como Fanny Sanín, Colombia, 1938, pero también en la abstracción geométrica del estadounidense Frank Stella, Estados Unidos, 1936-2024) , la obra de Karen Rifas reescribe el impulso constructivista no como utopía dura, sino como hábitat perceptivo: un lugar que solo existe mientras el ojo lo recorre.

QUÉ: “paper. color. lines ” una exposición de Karen Rifas.

CUÁNDO: desde el 6 de febrero de 2026.  Abierta, jueves, viernes y sábado. Cerrada los domingos, lunes, martes y días festivos de la universidad.

DÓNDE: LnS Gallery (2610 SW 28th Ln, Miami, FL 33133).

PRECIO: Entrada general gratuita

PARA MÁS INFORMACIÓN: visite www.lnsgallery.com

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REUSE-A-PALOOZA, arte y encuentros en la sociedad del reciclaje en el Moss Center

La Orquesta de Instrumentos Reciclados de Cateura, integrada por niños y jóvenes residentes en áreas cercanas al basurero del mismo nombre, en las afueras de Asunción (Paraguay), será una de las atracciones de REUSE-A-PALOOZA, el sábado 21 de febrero en The Moss Center. Fotografía: Favio Chávez (cortesía).

The Things Lab (El laboratorio de cosas) es un proyecto creado por Susan Caraballo y Kerry Phillips en 2022. Invitada por Caraballo para participar en la experiencia inmersiva Prelude to 2100 (Preludio al 2100), que ella concibió y dirigió, Philips recreó una biblioteca de cosas, en uno de los espacios del Deering Estate. 

A medio camino entre la instalación y la performance, según la periodista Jordan Levin, quien reseñó la experiencia en aquel entonces, la pieza funcionaba como una tienda de segunda mano. Allí los participantes/performers podían llevarse lo que quisieran y pagaban por ello lo que consideraban justo. El dinero recaudado se donaría a grupos locales dedicados al activismo climático. 

Lo que hacía diferente el trabajo de Philips era su forma de ensamblar lo vintage, de reinstalar y montar aquellos objetos encontrados, diseñando a su vez una atmósfera cálida, un ambiente teatral íntimo que terminaba por reposicionarlos y volverlos seductores de nuevo.

La primera seducida fue Caraballo, quien rápidamente entendió que la obra de Philips podía convertirse en un proyecto comunitario, un modelo de economía creativa que le hiciera frente al cambio climático, al individualismo y al aislamiento social, que la pandemia de COVID-19 había exacerbado en Miami. 

Poco después, surgió un grupo de WhatsApp para redistribuir cosas. Caraballo y Philips desmontaron su exposición en el Bass Museum y redistribuyeron los objetos/materiales usados, y poco a poco comenzaron a dar servicios de producción artística solo dentro de la lógica del reciclaje. 

Esta labor, hasta entonces sutil e invisible, se convirtió en una organización sin fines de lucro y adquirió su primera sede a comienzos de 2024. Allí comenzó a promover eventos y talleres de reparación, intercambio de objetos y ropa, costura, collages y el primer REUSE-A-PALOOZA.  El próximo tendrá lugar este 21 de febrero en el Moss Center, en Cutler Bay, ahora en una escala mucho mayor y con una gran participación de artistas y organizaciones locales.

En la primera edición de REUSE-A-PALOOZA, la organización Debris Free Ocean (Océano libre de desechos), a través de la coalición Zero Waste Miami (Cero Basura Miami), se convirtió en una aliada fundamental. Fue algo natural. Caraballo hacía años que formaba parte de esta red de activistas, donde la colaboración y el voluntariado son principios esenciales de la relación. 

En un ejercicio de complicidad mutua, ambas organizaciones, The Things Lab y Debris Free Ocean convocaron a otras como Glass for Life/Compost for Life (Vidrio para la vida/Abono natural para la vida) y A Cleaner Planet (Un planeta más limpio), quienes, además de dar a conocer su trabajo, interactuaron creativamente con el público. Estos últimos, por ejemplo, crearon junto a quienes pasaron por su stand, un cuadro hecho de tapas de botellas. 

Así, arte, creación y sostenibilidad definieron los principios de REUSE-A-PALOOZA, ahora oficialmente convocado por ambas organizaciones, con el apoyo financiero del Departamento de Asuntos Culturales del condado de Miami-Dade, del Fondo Comunitario de la ciudad de Cutler Bay y de la Alianza Climática de Miami. 

En esta segunda edición participarán más de 40 promotores de la transformación de la cultura medioambiental, entre ellos organizaciones no gubernamentales y del gobierno local, artistas, diseñadores, voluntarios y estudiantes de arte. En el epicentro del evento —a las 2:30 p.m.— está prevista la presentación de la Orquesta de Instrumentos Reciclados de Cateura.

Esta orquesta es una agrupación concebida y dirigida por Favio Chávez desde 2006. En aquel año, este ingeniero ambientalista llegó a trabajar en el basurero de Cateura, en las afueras de Asunción, la capital de Paraguay. Allí, muchos niños y adolescentes recolectan basura, sumidos en la pobreza y la falta de oportunidades. A él se le ocurrió darle clases de música en su tiempo libre y luego pedirle a Cola, un carpintero de la comunidad, que construyera instrumentos a partir de los desechos del basurero. 

Este fue el comienzo de un proyecto que los haría muy famosos a nivel internacional.  Bajo el eslogan “El mundo nos envía basura, nosotros le devolvemos música”, la orquesta se ha presentado en muy diversos escenarios y ha contribuido a la educación y a la esperanza no solo de los jóvenes directamente vinculados al proyecto. 

Con un repertorio que va de la música clásica al rock, al pop y a la canción latinoamericana, interpretada con instrumentos hechos de latas, tenedores torcidos, placas de rayos X y materiales inimaginables, la orquesta se ha convertido en la imagen de un país y de una localidad prácticamente desconocidos en América Latina, así como en una fuente de ingresos que ha abierto nuevas oportunidades a sus residentes. Además, junto a ellos se presentarán otros artistas de Miami. 

Jenna Efrein, escultora y diseñadora de vidrio, que actualmente enseña en la Universidad de Miami y, en años recientes, ha trabajado en la obra “The Great Pacific Garbage Patch” (El gran parche de basura del Pacífico), volverá a esta obra en su versión de performance. Oscar Fuentes, el poeta de Biscayne, escribirá poemas a partir de su interacción con personas y objetos que le recuerden lo que le resulta memorable; cosas que no quisiera perder en caso de un desastre. 

Los objetos recolectados por Andrew Otazo en los mangles del sur de Miami le servirán a Mark Herrera para crear esculturas con la audiencia participante. Por otro lado, Bookleggers, la única tienda de libros gratis de Miami, llevará su tráiler para regalar libros; The Toy Library prestará e intercambiará juguetes con los niños; la Disco Fish Boutique mostrará sus diseños de ropa, hechos con telas y retazos de ropa ya usada. 

REUSE-A-PALOOZA este año se propone llegar a todos los públicos y todas las edades. Está pensado como un espacio para relajarse y dejarse llevar por la magia de la casualidad, de los encuentros y del valor de los buenos ratos. 

QUÉ: REUSE-A-PALOOZA, un evento comunitario GRATIS. 

CUÁNDO: 21 de febrero (sábado), de 12:00 a 4:00 p.m.

DÓNDE: The Moss Center (10950 SW 211 St, Cutler Bay, FL 33189). El estacionamiento es gratis.

PARA MÁS INFORMACIÓN: llame al (786) 573-5300 (The Moss Box Office) o visite  reuseapalooza.org y https://www.mosscenter.org

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El ‘amor infinito’ del Ballet Clásico Cubano de Miami llega al Fillmore Miami Beach 

Un momento del ballet “Giselle” del Ballet Clásico Cubano de Miami, cuyo segundo acto se presentará el sábado 11 de febrero en el Fillmore Miami Beach. Fotografía: Simon Soong (cortesía del Ballet Clásico Cubano de Miami)

El Ballet Clásico Cubano de Miami (CCBM, por sus siglas en inglés), bajo la dirección artística de Eriberto Jiménez, presentará el segundo programa de su temporada 2025–26 el sábado 21 de febrero a las 8 de la noche en el Fillmore Miami Beach.

El título del programa es “Endless Love”; la ocasión es la cercanía del Día de los Enamorados y, para celebrar el “amor infinito” —de ahí su título—, se han seleccionado tres pas de deux del repertorio clásico, así como el segundo acto del ballet “Giselle”, obra emblemática del estilo romántico.

“Durante un tiempo presentábamos nuestro segundo programa de temporada en enero”, nos dice Jiménez, “pero resultaba difícil porque la gente regresaba de las vacaciones de fin de año a mediados de enero y no disponíamos de mucho tiempo para ensayos”.

Al moverlo a febrero, a Jiménez se le ocurrió vincularlo con el mes del amor y buscar nombres relacionados con la temática de San Valentín. El año pasado fue “Eternal Love”. “¡Este año hasta alguien me sugirió usar en la promoción la canción de la película, la que interpretan Diana Ross y Lionel Richie!”, comenta divertido.

“En esta ocasión, estamos utilizando a 14 bailarinas locales y a 5 primeras figuras como artistas invitados”, explica. “Y como el segundo acto de ‘Giselle’ es corto, en la primera parte del programa de este año ubicamos pas de deux en los que las parejas celebran sus bodas”.

El término técnico francés pas de deux, utilizado en el ballet, se traduce al español como “paso a dos”: un baile para dos personas, generalmente un hombre y una mujer.

Pero cuando decimos grand pas de deux, hablamos de un “paso a dos” —y de un aporte invaluable del ballet del siglo XIX—, diseñado para una bailarina y su caballero, con un rol fundamental para este último como apoyo a la bailarina y una estructura en 5 partes: entrada, adagio, variación masculina, variación femenina y coda.

En “Endless Love”, promete Jiménez, los pas de deux seleccionados les recordarán a los presentes que el amor infinito es siempre una historia con final feliz… hasta en “Giselle”, donde se impone a la finitud de la vida física.

“Vamos a poner el pas de deux del ballet ‘Coppelia’ y pensé en hacer el pas de deux de ‘La Bella Durmiente’, pero a los bailarines que lo iban a bailar no les dieron permiso para venir a Miami”, menciona. “Así que, en su lugar, vamos a hacer el pas de deux del ballet ‘Don Quijote’, en el que se casan Kitri y Basilio”.

En la versión de “La Fille Mal Gardée” que CCBM  tiene en el repertorio, creada por Jiménez, el pas de deux se ubica al final, como si fuera una boda, y así lo van a presentar. Lo van a bailar Marize Fumero y su partner, Eric Figueredo, ambos del Milwaukee Ballet.

“La Fille Mal Gardée” original se estrenó en 1789; “Don Quijote” en 1869 y “Coppelia” en 1870. “Giselle” se representó por primera vez en 1841. “La Fille” es un ballet cómico; “Don Quijote” y “Coppelia” son ballets clásicos. “Giselle” es un ballet romántico.

Este programa también le permitirá al público disfrutar de la música de compositores extraordinarios  como Ferdinand Hérold (“La Fille…”), Ludwig Minkus (“Don Quijote”), Léo Delibes (“Coppelia”) y Adolphe Adam (“Giselle”).

“Para el pas de deux de “Coppelia” tengo a Ihosvany Rodríguez y Natalia Álvarez”, detalla Jiménez.  “En el pas de deux de “Don Quijote” veremos a Amanda Rose Hall, del Washington Ballet, y a Josué Gómez, del London City Ballet”.

Sobre este último, Jiménez comenta: “Josué es colombiano, pero la escuela de la que proviene utiliza la metodología cubana. La única otra escuela en Latinoamérica que sigue la metodología cubana se encuentra en Colombia”.

“Para ‘Giselle’ tenemos una pareja de bailarines principales cubanos que bailan en el Washington Ballet: Chanell Cabrera y Adrián Sánchez”, relata el director artístico de CCBM.  “Ambos estuvieron bailando por un tiempo en Europa y yo traté de traerlos para una gala y después para el festival, pero no pudo ser. Este año tienen un contrato en Washington; están más cerca y los invité de nuevo, con mejor suerte.” Y agrega: “Junto a ellos actuará Marize Fumero en el papel de Myrtha, la reina de las Willis”.

El legendario bailarín ruso Rudolf Nureyev dijo alguna vez que un pas de deux es “un diálogo de amor”, y desde su fundación en 2006 por Pedro Pablo Peña, eso ha sido la relación de CCBM con el público de Miami amante del estilo cubano.

“Tengo la esperanza de que la gente encuentre la manera de llegar a Fillmore”, concluye Jiménez. “Yo sé que cada vez es más difícil llevar a la gente a Miami Beach para nuestras funciones, pero ‘Endless Love’ es un gran programa. No quiero que se lo pierdan”.

QUÉ: El Ballet Clásico Cubano de Miami en un programa concierto con fragmentos de los ballets “La Fille Mal Gardée”, “Coppelia”, “Don Quijote” y “Giselle”.

DÓNDE: Fillmore Miami Beach (1700 Washington Avenue, Miami Beach, FL 33139).

CUÁNDO: 21 de febrero (sábado) a las 8:00 p.m.  

PRECIO: $54.50 en el sitio web de CCBM o en la taquilla del Fillmore Miami Beach. 

PARA MÁS INFORMACIÓN: visite https://www.cubanclassicalballetofmiami.org o llame al (786) 747-1877

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Temporada de ‘Cartas de Amor’ en La 4.ª Pared Cultural Center

Grettel Trujilo en el papel de Melissa Gardner en una escena de “Cartas de amor”, la obra de A. R. Gurney que La 4.ª Pared Cultural Arts Center estrena este fin de semana en su sede de West Kendall en ocasión del Día de los Enamorados. Fotografía: Julio de la Nuez (cortesía de MarGi Happenings).

Christopher Reeve, Mia Farrow, Alan Alda, Candice Bergen, William Hurt y Anjelica Huston… son solo algunas de las estrellas de Hollywood vistas en representaciones de “Cartas de amor”, la obra de A. R. Gurney que La 4.ª Pared Cultural Arts Center presentará este fin de semana en su sede de West Kendall a propósito del Día de los Enamorados.

Lo raro de la obra es que podría parecer una lectura dramatizada, porque en escena los dos personajes leen la correspondencia que se intercambiaron desde la adolescencia hasta la madurez. Podría parecer, pero no lo es.

 “Esa es la línea fina que nos propusimos saltar”, dice Marilyn Romero, directora del montaje. “Aunque todo transcurre en las lecturas, cada personaje tiene su área escénica donde puede levantarse, cambiar de posición, servirse agua antes de seguir leyendo… No van a tener el libreto típico para ir pasándole las páginas: serán elementos de utilería, cartas y postales acumuladas al paso de los años”.

Cartas escondidas por él, que ya es un hombre casado, con hijos y nietos. Es una historia de amor, sí, pero llena de retos, de encuentros y desencuentros, no la clásica aventura romántica, idílica, advierte la directora.

PAPELES, CARTAS, POSTALES

Se escribían de todo incesantemente, empezando por papelitos e invitaciones hasta cartas y postales, luego, cuando dejaron de estudiar en la misma escuela, adelanta Romero. En la universidad intentan verse y no lo hacen, porque él sigue siendo un tipo formal y enfocado, pero ella ya empieza a sumergirse en una vida disipada.

 “De hecho, a ella no le gustaba escribir cartas; a él sí, y se lo explica de una manera muy hermosa”, relata la directora. “Cuando ella le dice que no quiere seguir escribiéndole, lo discuten por cartas. Al cabo del tiempo terminan por verse, pero mejor no anticipar lo que ocurre entonces”.

Originalmente, Romero y la productora, Gigi González, pensaron hacer la obra en inglés, porque se han dado cuenta de que hay un público local ávido de teatro en ese idioma.

“La zona está llena de hispanos, no precisamente recién llegados; más bien, hijos de inmigrantes que ya tienen el inglés como su primer idioma y varias veces han entrado aquí preguntando si solamente hacemos teatro en español”, cuenta. 

 Por eso buscaron actores bilingües y, en el reparto inicial, se incluía ella misma alternando el papel de Melissa con Grettel Trujillo, mientras que en el personaje masculino rotan Osvaldo Stróngoli y Xavier Coronel. Por motivos personales, Romero se ha visto obligada a no actuar esta vez, por lo que a Trujillo le tocarán todas las funciones.

 “Sin embargo, no deja de ser una posibilidad presentarla en inglés y en español”, subraya.

 TESTIGO DE INTIMIDAD

 “Para el espectador, es como si asistiera a la intimidad de dos personas en sus respectivos espacios, donde cada cual lee una carta”, explica la actriz Grettel Trujillo. “Cuando alguien lee una carta, la emoción aflora, puedes trasladarte a ese momento y revivirlo; entonces es como un viaje en el tiempo, como si el personaje al leer esa carta tuviera la edad que tenía cuando la escribió”.

 Hay cartas a los 14, 20, 25, 30, 40 y 50 años, y eso propicia que, en lo actoral, este sea un trabajo muy rico, asegura.

 “Y también nos movemos por el escenario, sigue siendo teatro”, indica. “Él lee las cartas en un escritorio; yo, en una salita donde hay un sofá, y los músicos van a apoyar en vivo esos momentos dramáticos cargados de silencio”.

 Su hermano, Janser Trujillo, y Alaín Orbiz interpretarán en vivo la música compuesta por Pepín Rivero para violín y cello. Del diseño de luces se encarga Ernesto Padilla.

“Tenemos marcados en el texto los cambios de posición en escena, porque los saltos de una carta a la otra se dan en pequeñísimas pausas, en segundos”, observa la actriz. “Pensábamos que era una obra sencilla, pero es muy difícil, porque por lo general interpretas un personaje cronológicamente y en una película lo resuelves con maquillaje o vestuario. Aquí es simplemente la actitud, y la voz tiene un peso importante para que se note, por ejemplo, la desesperanza”.

 Es ahí donde, con más énfasis, están trabajando la directora y ella, comenta:

 “Debemos tener bien marcado cada cambio, hay que tirarse sin progresión; ese es el gran reto de la obra, precisamente porque no es una lectura dramatizada”, refiere Trujillo. “A lo mejor los que la montaron por allá, por Broadway, no se enredaron tanto, pero a nosotros nos gusta hacerlo así porque esto es teatro; esto no es café con leche”.

 QUÉ: “Cartas de amor”, del dramaturgo A. R. Gurney, en una producción de MarGi Happenings dirigida por Marilyn Romero

DÓNDE: La 4.ª Pared Cultural Arts Center (16351 SW 88 St., Miami 33196)

CUÁNDO: 13, 14, 15, 20, 21, 22 de febrero. Funciones: viernes y sábados a las 8:30 p.m., domingos a las 7:00 p.m.

PRECIO: $25 público en general, $20 estudiantes y adultos mayores, con descuentos para grupos de cinco personas o más, en https://ticketplate.com/cartas-de-amor

PARA MÁS INFORMACIÓN: llame al (305) 975 0744 o visite www.margihappenings.org

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Un tributo a Bola de Nieve en el Westchester Cultural Arts Center

César Miguel Rondón, maestro de ceremonias de “Si me pudieras querer… Un tributo a Bola de Nieve”, un espectáculo que se presentará el domingo 1 de marzo en el Westchester Cultural Arts Center. Fotografía: Roberto Mata (cortesía de Arca Images).

Para quien todavía no lo ha hecho, al menos una vez en la vida tendría que escuchar a Bola de Nieve. El pianista, cantante y compositor cubano, nacido en 1911 con el nombre de Ignacio Villa Fernández, es de esas experiencias artísticas que dejan en el oyente una sensibilidad y una belleza perdurables.

En todas las canciones se reconoce una voz personal: irónica o triste, pero siempre conmovedora. El espectáculo “Si me pudieras querer… Un tributo a Bola de Nieve” rinde homenaje a la vida y la música de esta leyenda latinoamericana el domingo 1 de marzo en el Westchester Cultural Arts Center.

“El espectáculo está concebido como un relato musical continuo, no como una sucesión de canciones”, explica Alex Berti, director musical y del concepto del homenaje. “La estructura se articula en escenas que alternan narración y música, donde cada obra funciona como un capítulo emocional de la vida de Ignacio Villa. El programa avanza cronológicamente, pero no de manera documental, sino poética, permitiendo que el público transite por la infancia, la herida, el humor, el amor, el exilio y la soledad desde una atmósfera íntima, casi confesional, reforzada por el espacio escénico, el formato de cámara y la idea de compartir vino durante la función”.

El libreto de “Si me pudieras querer… Un tributo a Bola de Nieve” estuvo a cargo de Carlos Silva. “El texto recrea algunos aspectos relevantes de la vida de Bola de Nieve y también trata de establecer un vínculo entre sus posibles estados emocionales y vivenciales y la manera única en que esto se tradujo en un arte tan singular”, comenta. “Queremos que el público se sitúe en un contexto familiar en el que pueda reencontrarse con sus canciones y, a través de la melodía, acercarse a la tradición del bolero latinoamericano”.

“El aspecto más deslumbrante de Bola de Nieve es su capacidad para construir un discurso musical inédito a partir de recursos convencionales”, rememora Silva. “En esa época, el piano en la música afrocubana era concebido bien como un instrumento acompañante o como un instrumento solista. Bola de Nieve lo convirtió, a la manera de los grandes compositores de canciones alemanas de cámara como Schubert o Schumann, en un protagonista de la historia, que comenta, ilustra y crea atmósferas únicas”.

“Bola de Nieve era singular, pero no provocador, multifacético, mas no efectista”, concluye. “Todos los recursos que emplea en su discurso, como la inflexión, la narración, la risa o el llanto, obedecen a una idea artística profundamente estudiada e intencional, y no a una caricatura extravagante o estrambótica”

Además de ser el responsable de articular un texto que se integre con la música del artista cubano, Carlos Silva es la voz del espectáculo. Silva cursó estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de Caracas y en el Conservatorio de la Ciudad de Viena. Su rango vocal es el de tenor.

“Bola de Nieve es irrepetible, pero además inexplicable”, proclama el cantante. “Cualquier intento de imitarlo o de encontrar la causa de su gran singularidad será un intento vano y vacío. Por ello, cantar sus canciones siempre será una reinterpretación. Pero, además, hay que destacar que Bola de Nieve es una combinación de recursos y vivencias que se perciben en su arte. Todos los seres humanos somos producto de todo lo que nos ocurre, pero también de los recursos de los que disponemos o de los que carecemos”.

Como muchos saben, César Miguel Rondón no es músico ni cantante. Es un reconocido escritor y periodista venezolano que reside en Miami desde hace algunos años. En el espectáculo, Rondón es el maestro de ceremonias.

“En realidad, no soy un ‘maestro de ceremonias” como tal”, aclara el periodista. “Soy un elemento más en el espectáculo, como si fuese otro instrumento en la partitura total. Recito unos hermosos textos de Carlos Silva. Mi participación está escrita, pautada. Digamos que me atengo a una partitura en la que tengo mis entradas y salidas, mi voz y mis silencios”.

Rondón no recuerda cuándo fue la primera vez que escuchó a Bola de Nieve. Sin embargo, conserva una imagen vívida que lo ha perseguido hasta hoy. “Sí, recuerdo el inmenso impacto que me causó desde el principio. Su estilo, su manera de enfrentar la música, su juego con el piano, la picardía en su canto”.

“Además, recuerdo una película documental en la que Bola canta y toca el piano. Lo observa con mucha seriedad y concentración Alejo Carpentier. Imagínate, esos dos inmensos nombres de la cubanidad juntos. No he dejado de repetir esa imagen en mi cabeza desde que me invitaron a este proyecto. Es como entrar en contacto directo con el gran Ignacio Villa y con él en ese universo fantástico sobre el que escribió Carpentier. Cuba es una de las principales columnas de la música latinoamericana, y en esa columna es pieza fundamental Bola de Nieve. Este proyecto, en el que participo con orgullo y emoción, le rinde justo tributo a ese fundamento”.

La selección de músicos de “Si me pudieras querer… Un tributo a Bola de Nieve” está integrada por Félix Gómez (piano), Ismael Vergara (clarinete y saxo), José Gregorio Hernández (percusión) y Alex Berti (contrabajo).

“El público va a escuchar una combinación de obras del repertorio asociado a Bola de Nieve, reinterpretadas con nuevos arreglos, atravesadas por lenguajes contemporáneos y pensadas para este formato específico”, explica Berti. “No hay composiciones “a la manera de” ni intentos de recreación histórica. Cada arreglo es una lectura actual y respetuosa que dialoga tanto con la tradición cubana como con el jazz y la música de cámara. Más que un concierto, lo que se escucha es una celebración narrativa, donde la música existe para iluminar una vida y no al revés”.

Ese repertorio incluye clásicos del artista cubano como “Si me pudieras querer”, “Alma mía”, “Maese Julián”, “Ya no me quieres”, “Vete de mí”, entre otros temas que conmovieron a miles de oyentes en América Latina, ya que la figura de Bola de Nieve se convirtió en poco tiempo en una referencia para el bolero, el jazz y la música popular. El artista tenía una formación musical metódica, que había comenzado a los ocho años de edad, cuando ingresó al Conservatorio Mateu, en Guanabacoa.

El  espectáculo se realiza bajo la producción de la actriz y directora Alexa Kuve para Arca Images, Roxy Theatre Group y el Auditorio del Condado de Miami-Dade.

“El mayor desafío del homenaje fue encontrar un equilibrio que se sintiera íntimo y cercano, pero con un nivel de excelencia que hiciera justicia a una figura como Bola de Nieve”, señala Kuve. “Cuando un espectáculo es pequeño en formato, cualquier detalle se ve; no hay dónde esconderse y la producción tiene que ser muy precisa, desde el ritmo del libreto hasta el sonido, la luz y los silencios. Y, en un homenaje, además, existe la responsabilidad de no caer en la caricatura ni en el lugar común: Bola era enorme, pero también profundamente humano”.

Luego de confesar los desafíos del homenaje al artista cubano, la mirada de Kuve se centra en las decisiones clave para crear una atmósfera cercana y emocional para el público:

“Primero, definir que esto no iba a ser un recital ni una biografía fría; queríamos una noche en la que música y relato se abracen y te lleven de la mano; esa fue una decisión de base. Después, para mí fue clave el cuidado del equipo; yo cuido muchísimo a quien escojo para cada proyecto, porque creo firmemente que ahí está la clave del éxito, desde el libreto, por supuesto, y en este caso, el artista a quien estamos rindiendo homenaje, hasta cada uno de los integrantes, músicos, director musical y arreglista”.

“También fue clave una estética de cercanía: un sonido cálido, una iluminación que acompañe la emoción sin subrayarla, transiciones limpias para que no se rompa el hilo. Y en este caso, contar con Alex Berti, que es excepcional en lo musical y en los arreglos, y trabajar siempre confiada de la mano de Carlos Silva, nuestro director musical en Arca, hace una diferencia enorme; hay criterio, hay gusto y una visión clara”, concluye.

Según la leyenda, Rita Montaner bautizó a Ignacio Villa Fernández como “Bola de Nieve”, aludiendo irónicamente a su tez oscura y a su figura redonda. Como tantas veces ocurre en la vida, la ofensa se convirtió en una ganancia. El apodo, tan personal, fue perfecto para coronar a un artista maravilloso.

QUÉ: “Si me pudieras querer… Un tributo a Bola de Nieve”.

DÓNDE: Westchester Cultural Arts Center (7930 SW 40th St, Miami).  

CUÁNDO: 1 de marzo (domingo) a las 5:30 p.m.

PRECIO: desde $40.00 Boletos disponibles en www.ticketplate.com

PARA MÁS INFORMACIÓN: llame al (305) 226-0030 o visite https://arcaimages.org

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